ภาพเหมือนที่มีชื่อเสียง: 100 ภาพวาดที่มีชื่อเสียง

Le portrait est l'un des genres les plus directs de la peinture. Un paysage peut nous inviter à entrer, une nature morte peut nous retenir devant une table, mais un portrait nous attrape par les yeux. On y cherche une personne, un rang social, une émotion, un secret, parfois une petite moue qui dit clairement que le modèle avait mieux à faire ce jour-là. De la Renaissance à l'art moderne, le portrait sert à montrer le pouvoir, l'amour, la mémoire, la beauté, la fragilité et l'ego humain dans toute sa splendeur très bien éclairée.

La Renaissance donne au portrait une profondeur nouvelle. La Joconde de Léonard de Vinci, Ginevra de' Benci, les portraits de Raphaël, les figures de Van Eyck, Holbein, Titien ou Bronzino installent le visage comme un territoire psychologique. Le modèle n'est plus seulement un nom avec un beau vêtement : il devient une présence qui pense. Les mains, les yeux, les tissus, les bijoux et les arrière-plans racontent autant que la bouche. Et parfois la bouche, justement, refuse de conclure, ce qui explique pourquoi La Joconde travaille encore à temps plein dans l'imaginaire collectif.

Au XVIIe siècle, Rembrandt, Velázquez, Van Dyck, Rubens, Hals et Vermeer donnent au portrait des tempéraments très différents. Rembrandt creuse l'ombre et l'âge avec une humanité immense. Velázquez observe la cour avec une intelligence redoutable. Van Dyck fait briller l'aristocratie, Hals donne du mouvement au visage, Vermeer suspend une jeune fille dans une lumière si délicate qu'on hésite presque à respirer devant elle. La Jeune Fille à la perle n'a pas besoin d'un grand décor : un regard, une torsion, une touche de blanc, et la pièce devient soudain plus silencieuse.

Le XVIIIe et le XIXe siècle élargissent encore le jeu. Vigée Le Brun, Gainsborough, Reynolds, David, Ingres, Goya, Manet, Renoir, Sargent, Whistler et Cassatt peignent des portraits mondains, familiaux, politiques ou intimes. Certains modèles veulent afficher leur rang, d'autres semblent surpris d'être devenus immortels entre deux rendez-vous. La Loge de Renoir, Arrangement en gris et noir n°1 de Whistler, les portraits d'Ingres ou les femmes de Manet montrent que le portrait peut être élégant, social, ironique, tendre ou légèrement intimidant selon l'angle du chapeau.

Avec Van Gogh, Munch, Klimt, Modigliani, Schiele, Picasso ou Matisse, le portrait cesse de devoir ressembler sagement. Il exprime, déforme, simplifie, allonge, colore, inquiète, illumine. Chez Van Gogh, un visage peut avoir la tension d'un ciel d'orage. Chez Klimt, il devient icône décorative, presque bijou vivant. Chez Modigliani, les yeux en amande et les cous interminables donnent aux modèles une distance rêveuse. On reconnaît moins une personne qu'une façon d'être au monde, ce qui est parfois plus vrai qu'une photographie prise un mauvais mardi.

อันดับนี้ให้ความสำคัญกับภาพเหมือนที่สามารถแบกเรื่องราวไว้ได้: ไอคอนสากล ภาพเหมือนตนเองที่ทรงพลัง แบบจำลองที่มีชื่อเสียง สายตาที่ทำเครื่องหมายขบวนศิลปะ บุคคลในแวดวงสังคม ใบหน้าไร้นามที่กลายเป็นที่จดจำ ผลงานที่รู้จักมากที่สุดเปิดทาง จากนั้นเส้นทางจะก้าวไปสู่ภาพเหมือนที่ไม่คาดคิดนักแต่เต็มไปด้วยการแสดงออก เป้าหมายฝั่งผู้อ่านนั้นเรียบง่าย: ย้ายจากสายตาหนึ่งไปอีกสายตาโดยไม่รู้สึกเหมือนกำลังกรอกแบบฟอร์มของพิพิธภัณฑ์ ซึ่งเป็นความทะเยอทะยานที่สมเหตุสมผลและค่อนข้างมีอารยะ.

ในการตกแต่ง ภาพเหมือนหนึ่งภาพสร้างความสัมพันธ์ได้ทันที ลา โฌกงด์นำความลึกลับมา แฟร์เมียร์นำความเงียบ คลิมท์นำแสงสีทอง เรอนัวร์นำชีวิตทางสังคม แวน โก๊ะนำความเข้มข้น โมดิเลียนีนำความสง่างามแบบเศร้าๆ แรมบรันท์นำความลึกซึ้งของมนุษย์ เพียงยอมรับว่าภาพเหมือนที่ดีสามารถเปลี่ยนบรรยากาศของห้องได้เร็วกว่าโซฟาใหม่ สายตาที่ถูกวาดมีความสุภาพที่แปลกประหลาด: มันไม่พูด แต่ไม่เคยขาดหายไปอย่างแท้จริง.

ภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงชื่นชอบเพราะรวบรวมความปรารถนาที่เป็นมนุษย์มากสองประการ: การจดจำใครบางคน และการค้นพบสิ่งที่หลุดรอดจากการจดจำ ใบหน้าปรากฏอยู่ตรงนั้น แต่ยังคงเก็บขอบเขตของความลึกลับไว้ ส่วนสำรองนี้เองที่ทำให้สายตากลับมามอง ภาพเหมือนที่ดีจริงๆไม่เคยบอกทุกอย่าง มันทิ้งเก้าอี้ว่างไว้ให้จินตนาการ แล้วทำเป็นไม่รู้ไม่ชี้